THE SILENT BLUE FILTER
寂靜的藍濾鏡

以海洋本身為攝影對象

寂靜的藍濾鏡 展覽中展示了由2019年至2022年之間用底片相機在香港海底所拍下的「失敗」照片作為作品。失焦、過度曝光、快門過慢、沒有構圖、沒有主體或意義不明等等的照片，這些在主流攝影語言之下的照片會輕易被打入冷宮，顯得一文不值；同樣，它們亦一直儲存在我硬碟中的某個文件夾。在可能被忽視的情況，我在它們之中看見了在攝影過程當中沒能察覺的，或是說在日常生活經驗中，也變得沒有很敏感。 在簡介中我輕輕寫道：「銀鹼粒子記載了海洋的微粒、深度、溫度、潮汐的變化」，就算是一種暗示用那些底片拍下的對象，不過在觀眾角度，如果並沒有潛水經驗可能難以想像。在陸地上生活的我們，身體感官對周遭的環境可能太過習慣，而變得遲鈍，除非好像垃圾車經過，刺鼻的氣味跟環境中的氣味格格不入，那樣頓時變化才能使我們留意得到。

休憩潛水了一段日子 (大概一千多潛水次數左右)，2019年以後我也沒有到境外潛水，在香港海底裡有時候會想為何能見度可以伸手不見五指。在一些人心目中，香港海底混濁，並且沒什麼觀賞價值，不像外國、鄰近國家的清澈，香港一年最多只有數天。事實也是如此，所以在香港潛水，能見度高的時候，在潛水圈子中就是熱話。而大部在香港水下攝影的人都集中於微距攝影（沒算水下人像攝影進去），用昂貴的、先進的攝影器材來拍攝有時候小細得只有指甲邊的海洋生物。也對於其他潛水員而言，在香港潛水就像充滿小確幸一樣，因為很多意料之外的海洋生物會出現，或者意料之外的水況。 或者，在香港水下沒什麼好看，因為你我都很依賴「看」還有看得到的「對象」，而忽略了在水下的其他感官是被海洋的物理性放大了，不論優劣。除了視覺所看見對象的距離和大小，因為光射折射影響而被高估或低估了之外，顏色因應深度和海底微粒而減低鮮艷度；體溫因海水跟皮膚的接觸而加速流失；聲音因水的密度傳播更快，亦因為密度分佈不均勻，而使聲音散失，難以辨別聲源；方向感被水流和能見度影響，前進同時方位可能在偏移等等。在受到外來環境大量物理因素影響時，更應把感知範疇縮小，集中於自身，身體無時無刻與環境發出的訊息在互動。在香港的特殊海底環境因素下，可能有時候看不見什麼，反而使身體「看」得到更多。用底片在香港海底拍攝困難重重，所以我自己也有數用碼相機在拍攝，但是對比起自動化，能夠回到底片相機的機械原理和不確定性，好像更能集中於過程和身體感受。因為可能不止在運用視覺本能，卻大大開放了相機在一個時空下的可能性，身體的反應有時候比眼睛還要敏銳，然後在不去看的時候便按下快門。

所以也出現了對相機的種種聯想，有人會覺得攝影師是能看見一般人沒法看見的視覺、能夠捕捉到轉眼即述的瞬間、用相片說出語言沒能說的故事等等，這些特異功能我都沒有。對我來說，相機是一種儀器，把世界上能反光的、能發光的，都統統刻畫在那感光平面上。相機或者似是《機械複製時代的藝術作品》（1935）中，本雅明所想作為機械複製模式的革命潛力；在 21 世紀，它變成了數碼複製品。若果一張照片不是試圖展示相機的特定功能，相機作為一個人與環境之間的中介，不是看到，而是看穿，超出了我們視網膜上的入射光，使兩者得以協作，並將周圍環境中的元素沒有過濾地捕捉到銀鹽顆粒上。或許，作為探究的藝術可以展開藝術家與材料之間的新合作。

重現「失敗」，再次經驗失敗

在2019年巧合得到的「失敗」照片後，我多次再嘗試重現那些失敗，而真的失敗，多次取回沖曬好的白片 (沒有任何影像的底片)。如果一星期大概一天潛水，一天大概只潛三次左右，由凌晨五點起床，六點出門，十點半船到達潛水位置，十一點下水，三點半回程，四點半回到岸上，再因假日可能等待擁擠的交通工具，回到家便已經大概六、七點左右。一天的三次下潛，很努力地按下快門，大概也能一天拍下三卷底片；然後隔數天去沖曬後，才發現那一天的三卷底片都失敗了，完完全全沒有任何影像，可能快門的問題，可能光圈的問題，可能閃光燈的問題，也可能這部老古董的問題，而如果是海底環境的問題，我更加沒辦法解決。回想起來，我好像經歷了數次這樣的失敗，也帶點氣餒，有想過以前的「失敗」影像是否在運氣底下得到的意外結果而已。多次不斷調整，然後又過一星期再嘗試，又再次取回白片。加上底片價格不斷上升，貨源亦不足，我自己堅持用電影底片，因為底片的化學物質有點不同，能感光的範圍也略有不同，顏色上的敏感度也不一樣；也帶點相信，只能夠透過運用電影底片才能拍下更多樣化的色光。慢慢經歷了數次失敗後，我也放慢了自己拍攝的速度，可能有時候只有一卷底片這樣。經過數個月的反覆試驗，錢和時間不斷在揮霍般，把存放在家裡雪櫃的底片都用光光，由36張的白片，開始有數張顯影出現，然後可能近半數 (18張)，最後36張也有；在解決影像能不能形成同時，也有顏色如何處理的問題。

很執著地使「失敗」成功好像就是有點本沒倒置；太用力地按下快門，快刀斬亂馬般按下快門，不顧一切按下快門，都得不到好結果。我進入了一種「預設模式」，有點像汪正翔在《旁觀的方式》(2022) 所提及的例子，他曾拍攝一場不知道是婚禮的婚禮，卻因在沒有事先投射對婚禮的各種想像的情況下，拍出來的婚禮照片跟其他常見的一些拍攝方式比較，更為自然。又或者，不知大家有沒有一種經驗，在吃一些沒吃過的東西時，因為它的外觀可能有點不討好、可能氣味不討好，因此剛開始會對它有無限想像，可是吃了一口後卻品嚐到豐富的味道，超出自己所想的美味；當然亦可是相反的。似乎預設的想像影響了各種接下來的行動，也在預設之下變得局限，變得有點不太自然，但換來的可能是一種效率，能在安全的程序下達到想像的結果。各有所需之下，在開始這拍攝計劃時，我也希望能在有限的資源下，包括時間、金錢、物料、精力等，得到最好、最多的結果；經驗亦證明，在此情況底下不能以預設的心態來得到我期待的「失敗」。這過程中反而有點像相機製造商的廣告 －「回到攝影的原點」，或是一種近乎是始基 (Arche，古希臘哲學中的概念指世界萬物的來源與存在的根據)，握住一部不能透過相機視窗／觀景器而看得到任何即時調節，在不可控的水下，最可控制是自身，靠著自身的感觀反應把相機延伸成接收光的儀器。說來輕易，不過仍然有失效的時候，但它跟失敗好像有點不同。

相框以外的記錄，以相機作為突觸，以按下快門作為回饋

在學時期已經開始思考在拍攝儀器背後的人，因此也拍攝了 Loneliness Blue (2019) ，在這裡不細說了，有興趣可以按下連結看看。相框的之外，除了操控者，還有身處的時空。以「藍濾鏡」作為展覽的名字，「藍」可能比較易理解，除了很直白指向海洋之外，其實也想令觀眾聯想到大海的顏色。而藍色就是預設給了觀眾，為了突顯在觀看展覽時才會發現藍色和更多的色彩。但何為「濾鏡」可能要解釋一翻。相機的濾鏡可以有不同種類，例如顏色濾鏡或折射濾鏡等；手機的濾鏡就多樣性，除了仿效了相機的種種濾鏡，也有更多科幻的美顏或易容功能；在這展覽的意思便是我透過什麼樣的濾鏡，從而看見什麼的。如果我們想像現今手機應用程式 (mobile applications) 的濾鏡功能或程式，當我們套用時便能透過手機屏幕看見肉眼看不見的影像，又或者看得見預先想像的影像。而我在說「以海洋作為濾鏡」時，恰好有點相近的意思，但海洋作為濾鏡的同時，它變化不斷，因此也使我希望在這樣多變之中能得到點什麼。

就像這文章開始我所說－以海洋本身為攝影對象，要說相框以外如何包含在照片之中，其實有點兒戲，就是不用太先進的攝影設備便可以。自動化的數碼相機有點聰明，因為它預設了我們想達到的成像，或是說，它預設了商家、廠商、商業攝影師對攝影一套指標。所以例如水下攝影會水下模式有自動調整白平衡、自動對焦；手動控制也好，光線在電子感光元件分分轉化為數位訊號，再透過內置軟件即時轉化為可見影像。我想拍下肉眼所看見的水中顆粒／浮游物，就像在陽光照入室內的塵埃飛揚，但它們有點細小，靠數碼相機拍出來的只有像雜訊般藍／綠色的，甚至啡黑色的畫面，雖然有時候實情也是這樣。看得見，不代表能成影像；成為了影像，也不代表看得見。海洋環境的物理場域更像已經佈置好的舞台，燈光、佈景、道具、演員分分安排妥當，作為導演的我好好享受制作過程便可以。

相機可以作為工具被運用；也可以作為中介體 (Mediator；挪用了生物學用詞) 去理解 (藝術上普遍用媒介 medium)。我比較傾向後者，除了突顯出是橋樑之外，還超越工具的工能性，不是止在顯現人的意圖，而是雙向性並且能夠協調不同持份者理解和融合。運用相機在處理這個企劃也變成了突觸 (Synapse)，是我與周遭環境之間通信的特異性接頭，作為身體各種感受器交換信息的渠道。而所衍生出來的影像，只是作為回饋 (feedback) 按下快門後的可見結果。